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色彩的节奏、旋律与和声 | 2019第二十二届西湖艺术博览会行摄(2) 2019-11-27点击次数:1362

BGM: Hindemith:Mathis der Maler

(Matthias the Painter):
I. Engelkonzert (Angel Concert)
II. Grablegung (Entombment)
III. Versuchung des heiligen Antonius

(The Temptation of St. Anthony)




同事摄影分享,2019年11月15日拍摄于杭州和平会展中心,2019第二十二届西湖艺术博览会。




背景音乐赏析
欣德米特 《画家马蒂斯》交响曲

三个乐章:I.天使的音乐会 II.埋葬 III.圣安东尼的诱惑
保罗·欣德米特(1895-1963)生于德国,因受纳粹压制,“二战”前移居美国。他是20世纪最有成就的作曲家之一,而且还不仅在作曲方面,在音乐理论、教学、指挥和演奏(他是出色的中提琴手)诸多方面,都有很高建树。1934年在柏林的音乐界有过一场轩然大波:纳粹宣传部禁演了正在柏林歌剧院排练的欣德米特歌剧《画家马蒂斯》,因为它取材16世纪德国画家马蒂斯·格伦纳瓦尔德的生平,表现艺术家的个人事业与社会责任之间的冲突,这在当时纳粹气焰日益嚣张的德国是个敏感话题,触动了纳粹的神经。禁演激起反抗,当时的德国大指挥家富特文格勒愤然辞职,以此声援欣德米特。



Paul Hindemith
Paul Hindemith(1895年生于哈瑙;1963年卒于法兰克福)。德国出生的作曲家、指挥家、中提琴家、教师。1913-17年在法兰克福高等音乐院从阿诺德·门德尔松和伯恩哈德·泽克勒斯学作曲,同时还学小提琴,并从F.巴塞尔曼学指挥。1915年在法兰克福歌剧院乐队和雷布纳四重奏团任第一小提琴手。1917-19年在德国军队服役时仍继续作曲并参加弦乐四重奏演出。后返回歌剧院乐队;1921年脱离雷布纳四重奏团。两部独幕歌剧《谋杀,女人的希望》(Morder,Hoffnung der Frauen)和《努施-努希》(Das Nusch-Nuschi)于1921年由弗里茨·布施指挥在斯图加特、1922年由路德维希·罗滕贝格(他的女儿格特鲁德于1924年与欣德米特结婚)指挥在法兰克福演出,那一次同时上演的还有他的第三部歌剧《圣苏珊娜》(Sancta Susanna)。这几部后来被他自称为“习作”而予以否定的作品演出后引起了轩然大波。他的第二弦乐四重奏于1921年由利科·阿马尔率领的四重奏团(欣德米特是该团中提琴手)在多瑙埃斯兴根首演,此后阿马尔四重奏团便成为一个永久性的组织,专演现代作品。1923年欣德米特脱离法兰克福歌剧院乐队,专心致志于阿马尔四重奏团的工作,并担任多瑙河埃斯兴根音乐节评选委员会成员。其后几年中,他跻身于德国杰出青年作曲家之列,声誉日隆,在创作上收获亦丰。1926年在德累斯顿首演的《卡地亚克》(Cardillac)反映出德国当时出现的复兴亨德尔歌剧的兴趣。1929年10月欣德米特打算按照亨德尔的原则创作一系列各种严格曲式的乐曲。



1927年欣德米特在柏林音乐学校任作曲教师。他认为,作为一位教师,他的职责是传授有关音乐基本原理的知识,教育学生尊重每一个实用的细节。费朗茨·赖岑施泰因(Franz Reizenstein)、沃尔特·利(Walter Leigh)和阿诺尔德·库克(Arnod Cooke)都是他的学生。当时有两位指挥也在柏林工作,即爱乐乐团的富特文格勒(Furtwangler)和克罗尔歌剧院(Kroll Opera)的克勒姆佩雷尔(Klemperer),他们始终是欣德米特音乐的积极宣传者。1929年,由于工作太忙,欣德米特解散了阿马尔四重奏团。他的讽刺歌剧《当日新闻》(Neues Vom Tage)于1929年夏由克勒姆佩雷尔指挥在柏林演出,这是第一部有女高音角色边洗澡边唱歌场面的歌剧。由布雷希特(Brecht)作词的康塔塔《教育剧》(Lehrstuck)在1929年的巴登-巴登音乐节演出后,舆论大哗。1929年10月欣德米特初访英国,在沃尔顿(Walton)的中提琴协奏曲首演时担任中提琴独奏(他和沃尔顿是1923年在萨尔茨堡相识的)。1930年在伦敦的一次考陶尔德-萨金特音乐会上演奏自己的中提琴协奏曲。




1933年,也就是希特勒登台执政的那一年,欣德米特着手以画家马蒂斯·格吕内瓦尔德这位具有社会良知的中世纪艺术家的一生事迹为题材创作歌剧。他把三段间奏曲改编为组曲,称之为《画家马蒂斯》(Mathis der Maler)交响曲,于1934年3月由富特文格勒指挥柏林爱乐乐团首演,一举成功。但这时官方开始公开批语他音乐(《当日新闻》中女高音角色洗澡一场曾使希特勒大为震惊)。1934年11月富特文格勒撰文为他辩护,驳斥对他的“政治声讨”。争论结果,纳粹政权禁演歌剧《马蒂斯》。1935年欣德特应土耳其方面的邀请去创办一所音乐学校。从安卡拉回国后,政府对他态度有所缓和,似乎有可能获准在法兰克福首演《马蒂斯》。可是,1936年,在库伦坎普夫(Kulenkampff)演奏他新创作的小提琴奏鸣曲而得到一片“示威性”的采声之后,戈培尔下令不准再演欣德米特的任何音乐。1937年,他又在土耳其逗留了一段时间,然后便辞去柏林高等音乐学校的职务,启程前往纽约。1938年5月,《画家马蒂斯》搬上苏黎世舞台,但德国报纸不许报道此事。1940年2月他再次赴美,不定期地居留下去。应聘担任耶鲁大学音乐理论访问教授,并在坦格伍德的伯克夏尔夏季音乐节上主持高级作曲班,卢卡斯·福斯(Lukas foss)和莱奥纳德·伯恩斯坦(Leonard Bernstein)是他在1940年音乐节的学生。1945年成为美国公民。战争结束后,欣德米特的音乐又重新在德国上演,他50寿辰时德国和美国多次演出他的作品以资庆贺。1947年返欧洲,访问意大利、荷兰、比利时、英国、德国、奥地利和瑞士,在瑞士与富特文格勒继续友好往来。战后几年中,他大量修改自己的某些早期作品,包括声乐套曲《玛丽的一生》(Das Marienleben)和歌剧《卡地亚克》与《当日新闻》。1949年回柏林在高等音乐学校讲学,但因加入美国国籍受到批评,被认为是数典忘祖。1949-50年他在哈佛大学任诺顿教席教授一年,举办查尔斯·埃利奥特·诺顿讲座,该讲稿后来出版,题为《作曲家的天地》(A Composer's World)。1951年接受苏黎世大学教职,同是兼任耶鲁大学的工作,至1953年辞去耶鲁大学教职,回到欧洲,在1953年的拜罗伊特音乐节指挥贝多芬第9交响曲。在创作生涯的最后十年中,他集中精力创作了一些内省的和灵性的作品,同时也致力于指挥,1956年率维也纳爱乐乐团去日本演出。1957年完成歌剧《世界的和谐》(Die Harmonie der Welt),同年8月在慕尼黑上演,反应平平。



人们总是把欣德米特与“实用音乐”(Gebrauchsmusik)(utility music)联系在一起,但是,他的主张是听众不仅要“听”,而且要“参予其事”,对于他的这种艺术观,“实用音乐”一词只会使人产生误解而不说明问题。在柏林教学期间,他创作的作品既适用于教学,又为业余爱好者提供了素材。他把这类作品称之为“唱奏音乐”(Sing-und-Spielmusik)。例如儿童歌剧《让我们来造一座城市》(Wir bauen eine Stadt)--若干年后布里顿步其后尘而创作《让我们来演一部歌剧》(Let's Make an Opera)--和为石勒苏益格-荷尔施泰因(Schleswing-Holstein)的学龄儿童而写的一套器乐与合唱曲《普勒恩音乐一日》(Ploner Musiktag)。



象他的朋友沃尔顿一样,欣德米特开始时是一个不守规矩的,最后却成了先锋派眼中的“极端保守主义者”。他拒绝采用先锋派的过激手法,虽然这并未妨碍他为早期的电声乐器特劳托尼乌姆电琴(Trautonium)写音乐。他的早期作品表现出施特劳斯和雷格尔、后来又有斯特拉文斯基和巴托克的影响。随首风格的发展,他的节奏冲力和对于对位织体的偏爱日益明显,抒情性则保持含而不露,直到《画家马蒂斯》时期才开始表现出来;而和声语汇则建立在控制得体的不协和的紧张性之上。他所有的作品都是以调性为其牢固基础。对他的音乐的苛刻反应是不公正的,没有道理的,虽然后来已有所减弱。他的一些最优秀作品在20世纪作曲史中占有重要地位。











艺术,并非起自艺术,但艺术完成于节奏。宇宙运行存在自然而然的节奏。人生感应宇宙运行的法度,而进行周旋进展的流动。 
自然界或人文艺术界因变化而丰富进化,在包括高度、宽度、深度、时间等多维空间内的有规律或无规律的阶段性变化简称节奏,表示画面的节奏感、明暗、虚实、色彩关系等,节奏感很重要,在很多领域都有体现,如音乐快慢激烈缓柔、美术节奏韵律、文学作品铺垫高潮结尾等节奏变化。“色彩是琴键,眼睛是琴锤,灵魂是紧绷许多根弦的钢琴,艺术家就是弹琴的手,只要敲下一个个琴键,就会触动心灵最深处的悸动”。这是抽象派艺术大师康定斯基所著的《论艺术里的精神》中的一段文字。钢琴教学与绘画从理论上讲,似乎是两种不同的艺术门类。前者通过优美的节奏与旋律给人们听觉上的享受,而后者则通过富有魅力的线条与色彩影响人们的视觉感官。人们在评论绘画作品时,常喜欢用“节奏”、“韵律”这样的词眼。画家在进行绘画创作时都是依照自我情感和愿望表达客观事物的,笔与手、纸之间的节奏感画的是一种心情,意境在了,自然就有韵律在里头了,可见节奏在绘画中的重要性。 
一、色彩是绘画创作的主要因素之一 
色彩是绘画的重要艺术语言,是重要的表现手段和必要的条件之一。色彩的变化构成一定的时空感和节奏旋律。由于色彩是人们视觉对接收到的光源做出的反应,并在大脑中产生对象,那么光就是色彩产生的首要条件,一切色彩都是光的表现形式。画家将所有接近黄色和火红色的色调称作暖色。暖色调加到暖色调上,效果增强,混合时仍保持明亮。暖色调和冷色调混合时,则强度减弱,并产生灰暗的效果。冷色调与冷色调混合时,则保持鲜明。在同一幅画作里,暖色看起来是近的,冷色看起来是远的;明亮的东西重于灰暗的东西;暖色显得数量多,冷色显得数量少。正因为这些特性,色彩在画面中形成一种节奏感。这种节奏感在绘画中使美术作品增加光彩,给人的印象更强烈、更深刻,因而塑造的艺术形象更富有吸引力和艺术感染力。 
二、色彩的节奏性 
优秀的画作会给人以节奏感,这个节奏是什么?是通过什么体现的?老师让学生画出听到的音乐,以此让他们感受到绘画的节奏和韵律。声音是听得见的颜色,颜色是可见的声音。绘画创作在表达客观现实中能够给予视觉美,在于它和音乐一样,在形式上存在节奏和韵律,即线条和色彩这两大绘画创作手法显示出的节奏感和旋律感。色彩作为绘画创作的又一创作手法,节奏感在画面中的运用更变幻莫测的。 
节奏要通过绘画体现,西洋古典绘画中的颜色是千变万化的,光线的变化导致物体色彩的变化,物体的色彩是固有颜色和环境颜色的综合体。莫奈在《撑阳伞的女人》这幅作品中为了表现物体光色的绚丽,采用小笔触和色调并列方法,有些颜色不再调配,而是黄、蓝并列,时而重叠,并把黄和绿、蓝和橙色互补对比,使色彩在强烈视觉冲击中产生新的和谐。女人身后的天空如同水一般透明多变,阳光透过湛蓝的天空洒到女人的衣裙上,微风扬起的裙袂上有蓝天的色彩、女子脚边墨绿的草与淡黄的花朵。画面中的色彩安排构成了画面的节奏律动,让人们觉得画面起伏生动。当周围事物的色彩反衬在女子的裙子上袖肘上时,女子脚下顺着微风倾斜的花草如活了一般,仿佛可以闻到泥土与花草混合的清新气味。 
追求自身的艺术语言,是一切真正艺术应具备的基本性质,离开了它,艺术就丧失了意义。节奏是客观世界万物生存运动变化发展的一种普遍规律,普遍存在于绘画中,它从“自在之物”变成“自为之物”,被艺术家有意识地控制与创造。正如塞尚所说的:“绘画是一种光学。这门艺术的内容基本上存在于我们眼睛的思维里。”节奏在绘画创作中是画家心性的自然流露,一件绘画作品问世的成功与否在于画家是否善于调节画面的节奏,利用线条和色彩的自由铺设而作用于画面,使其富有生命意义,从而表达自己对美的一种认识与追求。西方绘画注重的是对象的色彩关系和由色彩产生的明暗关系,关注其光源色、环境色的相互作用。绘画创作建立在模仿自然、接近真实的认识上,力求表现出自然真实的光、影、色,而这些现象的表达离不开对色彩节奏的理解与运用。色彩的魅力在于它一方面能和人的情感相对应。另一方面在明度、纯度、形状、色相的面积等因素的变化上体现某种秩序感,从而使画面充满节奏感。 
三、在绘画中怎么形成韵律节奏 
在绘画创作中为了追求强烈的节奏感,可以将色平面按强、弱、中进行任意排序组合,利用不同的变化形式,或渐变,或反复,或自由铺设满足画面的需要,削弱或加强画面的视觉效果,调节画面的节奏,让色彩的节奏在画面中得到充分表达,产生多种感觉对比,从而形成富有生机的节奏感。正是对绘画色彩的这种理解,西方人自然要排除绘画的情节性而追求音乐性。色调的运动感包括由纯色与其补色并置产生的节奏感,以及由色彩的进退、冷暖在画面中形成的节奏感。 
色彩节奏是一个有明显特征的时间和运动,可以感知规律反复变化的强度和长度。通过色彩的聚散、反复、重叠、转换等,形成有节奏和美感的颜色变化。一般有三种形式。 
1.通过色彩的点、线、面等形式的不断重复,体现有规律、有秩序的美感。 
2.颜色渐变的节奏,根据色彩的明度形成渐变的规律。另外,渐变的规律还能按照纯度、色相、明度、冷暖、补色、面积、综合等多种形式进行。 
3.多元性的节奏,由多种简单重复性节奏组成,它们在运动中的急缓、起伏受到一定规律的约束,可称为较复杂的韵律性节奏。其特点是色彩运动感很强,层次非常丰富,形式起伏多变。但如果处理、运用不当,就会出现脏脏的杂乱效果。

当把上面说的三种形式都做到的时候,就形成了很多不同性质的对比,把这些对比整体安排在画面中,使这些对比、互衬共同遵循一个规律排列、协调起来,便形成了韵律节奏。在作画时,要限制背景中的一切细节,因为它们只会碍事,宜少画,以大块面为主,我们在最初接触水粉静物写生时,一般会先考虑画面中整体的冷暖布局,再考虑单个物体明暗面的冷暖布局,包括每个静物的疏密关系等,而这些布局使我们掌握了一定规律。比如,画色彩艳丽的衬布时,如红、黄要处理得偏冷些,可以压住衬布,使之不显眼,明暗、冷暖、虚实这些对比因素组合排列起来便形成了韵律节奏。 
形成韵律节奏的前提是画中的因素必须形成一种对比,使它们互相映衬,但仅仅这样是不够的,不能仅仅把画面分为一半暗一半亮,太死板了些,毫无韵律可言,因为这种对比会产生亮点的刺眼效果,而且这种排列方式过于简单化、规律化了,就算是蒙德里安的“红、蓝、黄构图”也不会按特定规律安排,如果在一段音乐中只存在两个音符,不断重复,则演奏起来会像急救车、警车的声音之类,同理,在绘画中也是如此,画家在进行创作时一定要加入自己的看法和情感。因此,特定规律的绘画是没有韵律节奏的,就像现在在不懂绘画的人当中流行的数字油画一样,画面由制造商规定好色彩,像填色游戏般画出来的画又有什么艺术性可言。 
在西方绘画中,强烈的色彩和图形的叠加,以“静”表现“动”的方式是比较常见的,通过有节奏的、丰富的彩色图形的排列组合,给人直接的视觉冲击,让人们感受到画面强烈的节奏感,是西方画家绘画时在韵律节奏处理上的共同特点。莫奈的《日出印象》在由淡紫、微红、蓝灰和橙黄等色组成的色调中,一轮生机勃勃的红日拖着海水中一缕橙黄色的波光冉冉升起。海水、天空、景物在轻松的笔调中,交错渗透,浑然一体。近海中的三只小船,在薄雾中渐渐变得模糊不清,远处的建筑、港口、吊车、船舶、桅杆等也在晨曦中朦胧隐现……根据自己的内心感受和描述外界事物的性能需求,运用色调、对比等无穷变化和有机组合,从整体的色彩节奏思路出发,体现独特而丰富的节奏。 
到了现代,大部分艺术家倡导“中西结合”,当时比较有影响的有林风眠、徐悲鸿、吴冠中等。林的画中有色彩节奏的处理、搭配、组合,他在开始创作属于自己独立意识的绘画时转向了印象主义、野兽派、立体主义等西方现代艺术,在艺术审美观上淡化了中国画讲究了近三千年的传统国画的笔墨观念,试图从“西方现代主义艺术运动”角度切入“现代中国画”。运用中国的笔、墨、色彩搭配及中国画的写意精神,融会中国的线条与“意象”思维意识,在中国宣纸上表现出一种以光影、线条、颜色、笔墨交错排列、相互搭配、相互融合形成的韵律节奏。 
画家画面中的韵律节奏感是运用主观色彩排列的规律和其他艺术形式有意义的排列。韵律节奏的特性受画家个人的一些因素制约。因此,画家的艺术修养、创意思维和艺术语言运用能力和个人艺术特点都在色彩节奏上具有重要作用。 
























































































































































































































































































































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